在導演 Luca Guadagnino 的電影語言中，音樂從來不是附屬，而是模擬觸覺、視覺與記憶交錯的紋理。從《以你的名字呼喚我》（Call Me by Your Name）中 Sufjan Stevens 如義大利豔陽的溫柔低吟，到《挑戰者》（Challengers）中反覆嵌入球場節奏的合成電子敲響，總是讓聲音與人物感官密不可分。在2024年的作品《QUEER》中，音樂的作用更是角色心理狀態的深化。
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《QUEER》改編自 William S. Burroughs 的同名小說，講述一名美國男子 William Lee 在1950年代流亡墨西哥城，對一位年輕男子 Eugene Allerton 展開曖昧而痛苦的追逐。這段關係既是慾望的投射，也是孤獨的寄託，在毒癮、幻覺與文化錯位的重重考驗中，Lee 的情感逐步裂解，最終徒留回憶。
在聲音的架構上，《QUEER》可被拆解為三重音場：空間（營造異地的失根感）、情慾（與肉體節奏共振）、幻覺（聲音化為心靈殘片）。三者層層交疊，交織出一種風格難以界定的聲音迷宮，回應了「Queer」作為「古怪／異常」的意涵。而由 Trent Reznor 與 Atticus Ross 創作的配樂，則透過實驗性的聲響貼近角色的內在躁動，具象化破碎、扭曲的精神狀態。
異鄉的聲音：爵士時代錯置的漂流感
墨西哥城作為主角 Lee 的流浪之地，是一個始終無法真正融入的城市，雖然畫面上捕捉了五光十色的拉丁風情，卻藉由配曲建構出疏離的心理狀態。
曲目如〈Wee (Allen’s Alley)〉與〈Saturday Night Fish Fry〉，透過其即興的歡騰，強化 Lee 在異地的邊緣感。前者以自由狂妄的鋼琴與薩克斯風合奏，呈現一種脫韁的解放感，像是自持又警覺地在城市穿梭──走得快，卻永遠無法停留 ; 後者則以節奏密集的敘事式演唱，營造出一場喧鬧非常卻與 Lee 格格不入的社交景象。爵士樂作為美國文化的聲音符號，放進墨西哥的語境中，反而強化了 Lee 作為「異鄉人」的漂泊感。
更進一步的聲音錯置，來自 Prince 的〈Musicology〉與〈17 Days〉。這兩首分別為1984與2004年的作品，卻被出現於電影設定的1950年代時空。〈Musicology〉以強烈的 Funk 節奏、銅管堆疊出動感能量，對應 Lee 與 Eugene 剛踏上南美旅程時的樂觀，他們正為尋找傳說中能開啟心靈感應的「死藤」而興奮不已；〈17 Days〉則轉為懶散迷幻的反覆徘徊節奏，對應南美之旅後期停滯又亟欲推進的情緒。
兩者畫面對應是拉丁風情的旅店、市集，甚至叢林，而聲音卻來自未來：強烈節奏與 Prince 標誌性的鼻音唱腔，讓整段旅程如夢般失真──兩人雖在同一場景，卻始終同床異夢。
崩潰與撫慰：當搖滾成為情慾對白
Nirvana 的三首作品在片中不只是背景音樂，它們標記了主角 Lee 每一次情感轉向與心理裂縫的產生時刻。選用多首 Nirvana 曲目，不只是風格搭配，更因 Kurt Cobain 本人深受《QUEER》原著作者 William S. Burroughs 影響，兩人曾在1993年會面並合作。Kurt Cobain 對邊緣身分、自我崩解與語言失能的關注，與 William S. Burroughs 不謀而合，這種風格與精神共鳴，使 Nirvana 成為本片聲音敘事的合適選擇。
片頭使用 Sinéad O’Connor 翻唱的〈All Apologies〉，搭配散落床上的旅行物品與逐一浮現的主創字卡，最終鏡頭停留在一頁劇本文字上──所描述的正是即將展現的場景。書寫與影像在此形成呼應，讓觀眾從一開始便被拉入小說的敘事裡。這個版本的〈All Apologies〉以極慢的節奏展開，吉他斷奏與悶音構成短促回響，人聲則經過合成 Reverb 處理，像潮水般襲來。Sinéad O’Connor 的聲音彷彿從空殼中傳來，柔軟但破碎的聲線唱著：「What else should I be? / All apologies」，彷彿主角尚未出場，聲音已先將他摧毀一次。
〈Come As You Are〉出現在 Lee 被同志圈拒絕後，在街角獨自漫步，炙熱目光搜尋城市中任何可能成為目標的人。當他與 Eugene 擦身，Kurt Cobain 唱出那句「As I want you to be」──Lee 的凝視與這段旋律疊合，帶出捕獵的專注。樂曲以帶有 chorus 效果的吉他 riff 為基底，製造出一種水感的晃動迷濛情慾，搭配畫面的慢動作，如網緩緩張開，而 Lee 則開始獵捕計劃。
〈Marigold〉，那首由 Dave Grohl 主唱、極少被使用的 Nirvana B-side 曲目，從點唱機悄然響起。場景是 Lee 與 Eugene 在餐廳晚餐，兩人對坐沉默，音樂在背景流轉。當 Dave Grohl 吐出「He’s scared ’cause I want」時，Lee 突然望向 Eugene，觀眾才明白這首歌的語境不再是關於愛情的等待，而是對關係毀滅的預知。
其他兩首突出的選曲有：
New Order 的〈Leave Me Alone〉出現在 Lee 毒癮發作的橋段。畫面中 Lee 孤身坐在窗前，窗外霓虹在身後閃爍，主唱 Bernard Sumner 唱著「These last few days leave me alone / But for these last few days leave me alone」，是一種「請讓我孤單」的宣言，但觀眾卻清楚他根本不想孤單。貝斯聲線持續重複，製造出內在困頓的情緒。
Verdena 的〈Puzzle〉響起於片尾一場超現實段落──Lee 在與 Eugene 於叢林失散後，化作天上一顆星星墜落，再度現身時已是兩年後，他衣著整齊、神采奕奕地站在墨西哥城街頭，彷彿一切歸於平靜。然而，Fuzz 音牆堆疊出碎裂的旋律，主唱 Alberto Ferrari 的聲線混濁，彷彿從水底傳出，構成一種「我在哪裡？我是誰？」氛圍。隨著樂曲推進，Lee 步入老年，仍無法抽離與 Eugene 之間的情感，在床上獨自擺出兩人曾經相擁的姿勢陷入失落。
幻覺中的聲波：配樂如何潛入心靈
Trent Reznor 與 Atticus Ross 創作的原創配樂並非以旋律為核心，而是建構出潛意識的狀態。
作為整部電影的情感主軸，〈Pure Love〉細微的合成器類木管聲音層層堆疊，編織出一個空靈而脆弱的音場，彷彿觀眾正置身於主角 Lee 的內心上漂流。這首曲子在電影中多次出現，每次都以不同的編曲與音色變化展現──有時甜膩，有時躁動，既像是 Lee 對愛的渴求，也像他在自我認同與情慾迷宮中碰撞。
〈Centipede〉延續他們一貫冷峻、幽微的工業風格，開場常以低頻嗡鳴鋪底，機械式節奏，但非節奏導向，而像是斷裂脈動，營造出一種壓迫感。畫面走入 Lee 內心的潛意識，他身邊的人都在監獄裡迴盪，描繪出 Lee 內心對身旁的人的不信任以及怕被孤立的恐懼。
〈Wouldn’t You?〉出現在 Eugene 陪伴 Lee 看診戒毒後的海邊嬉戲橋段，兩人潛入水下，畫面配合大量反向聲效與氣泡音，塑造出夢境般的水下空間。旋律細碎、懸浮，帶有大鍵琴與鐵琴質感的音色，在水波光影中閃爍，呼應兩人在海中深情凝視的瞬間。宛如《以你的名字呼喚我》裡義大利夏日的海風，洋溢靜謐與不被時間打擾的親密。
〈No Final Satori〉出現在 Lee 與 Eugene 飲用死藤水後的幻覺段落，畫面彷彿向英國畫家 Francis Bacon 致敬──皮膚翻轉、身體交纏如藤，肉體彼此拉扯。曲子前半部如〈Centipede〉般以潛伏式脈動逐步扭曲，節奏斷裂、聲響宛如肌肉顫抖；而當兩人皮肉相連、撫觸彼此皮下，感知對方心念時，音樂又融入〈Wouldn’t You?〉夢幻但若即若離的旋律，構築出超越語言的結合。
《QUEER》不依賴臺詞來定義角色，而是透過超現實、破碎的影像與多樣曲風，描繪人物內在的狀態。咆哮爵士的解放、搖滾的撕裂、放克的騷動、電子的夢幻與工業的摩擦聲交錯重組，拼貼出一具正在尋找自我、界線模糊、靈肉分離的軀體，回應電影關鍵臺詞：「I’m not queer. I’m disembodied.」主角 Lee，這位漂浮者，在這些聲音中找尋落腳之處。
這部電影，最終化為一首支離破碎卻執著不已的情歌，獻給那些曾在情感邊緣掙扎，在身分迷霧中摸索的靈魂。
撰文：詹氏
圖片來源：A24
