在眾多富麗堂皇標籤的皇冠下，朱晨維卻很少直接說出「我是藝術家」這般宣言，「現在只要上網就能找到很多對我的標籤與形容詞，超級赤裸，要真摯地介紹自己反而很難。」渴望將理想與話語畫進作品，用畫布替代文字，讓對談變得充滿色彩、充滿天馬行空的夢幻。
拒絕乖巧，打破安定的和諧！
日常的生活太過於乖巧，朱晨維樂於打破安裝後的和諧，在作品中浸泡一點衝突與巧妙的嘲諷。「愈多人罵的愈多人喜歡看，再從中找出讓人不舒服的到底是什麼，萃取出這種幽默感加以創作。」任何的荒唐與無厘頭對他來說都是有趣的拼圖，爭議與衝突都是強烈的情緒，朱晨維透過鮮豔極端的方式展現出幽默感，也是一種偷渡的勝利。
「把荒唐與莫名其妙合理化的這個概念非常吸引我，經過設計後，將這些與自己的情緒融合在一起，尤其在那些想要調皮的片刻。」他笑了笑。
他的靈感始終來自於生活，片刻中的感受被拉起後再塞進一張張畫面中，「任何東西都可以是養分，就像調味料彼此反應成新的味道。」當感覺斷掉時，朱晨維刻意將它靜置，疏遠幾天，剩下唯一要做的是深深感受生活，脫離原本的想法，拉遠一點，稍等兩三天後再回歸看看有什麼新的靈感可以使用。這樣若即若離的曖昧存在他與作品的默契中，慢慢發酵。
荒唐、批判、嘲諷：去後設的直覺型藝術家
對於朱晨維來說，創作是一個原始的感受，「每件作品背後都必須要有一個偉大的理念嗎？不一定吧。」長期待在體制內的他絕不缺乏產出精緻理論的技能，但他意識到，這樣的模式反而讓他漸漸疏遠熱情與靈感的直覺。在他的世界中，作品像是對談、像是與朋友聊天，而不是單向溝通的輸出，討厭嚴肅與莊重的儀式，在他手上的作品靠近日常，也產出於日常。
若每件作品後都要套上深沉的理論就太過機械，在某些時刻裡，甚至會發現自己為了理論後設，「我知道大家想要聽的是什麼，為了大家的喜好去拼湊出華麗的辭藻到底有什麼意義？我都無法說服我自己。」也許就這麼任性了一點點，他希望忠於自己，回歸人本與直觀感受，如同這次的展覽般，其中的細節與背後都充滿朱晨維個人的投射。
用創作抵禦遺忘
朱晨維透過作品闡述「Life is Short」的概念與此世代的氛圍，代表快速與存在的意象。「有些崇拜的偉人在年輕時就離開世界，生活很短暫，我想留住這些。畫中有個雕像，象徵被眾人紀念的精神代表，而這個世代每個人都想證明些什麼。我卻想為這個世代留下痕跡，『做這件作品』這個動作，就是在為自己留下些什麼。焦慮、怕被遺忘、想證明自己 。我想趁還活著的時候，盡全力做熱愛的東西，我想這就是這個世代的態度。」
藝術的登峰造極來自商業／村上隆、Andy Warhol
從小一路在科班長大的朱晨維，在高中時第一次體驗到「再這樣下去真的會餓死」的感悟，「所有的零用錢都花在買畫布與顏料，從沒想過真的會有用完的一天。」人們面對藝術家總帶著高尚的濾鏡，彷彿從不需要煩惱金錢與世俗；但無可否認，藝術家也是人，對吧？
「我很喜歡村上隆，他說出許多藝術家心底最赤裸的渴望。」也是在這時，朱晨維接觸到 T-Shirt 設計，他負責版畫繪製，夥伴負責印刷販賣，「我對販售 T-Shirt 有特別的情感，我當時的顏料錢都是靠賣 T-Shirt 支撐，也是從那時開始認知到藝術的商業價值。」他清楚地了解，藝術要到達一定的規模，必須導入商業。「同時我也知道，我的作品無法融入台灣主流繪畫比賽體制，沒辦法靠比賽賺錢。」
「過去為了升學畫畫，是 Andy Warhol 讓我知道，我真的有『創造』的能力。」令他震撼的是 Andy Warhol 所帶來的顛覆與創新：所有規矩外的排列組合，一切不可能之外的無限可能。
把生活當成紀錄片在過：Every great story begins with a vision
朱晨維對於紀錄片的熱愛溢於言表，他滔滔不絕地分享，「紀錄片的魅力很真實，在每個片段裡都能感受到很多原始的衝勁感，對我來說震撼的同時又知曉這一切真正發生，很讓人振奮啊。」他也喜歡感受大人物螢幕前後的反差，被營造出來的人設與私底下的真性情，每個精神所洩洪出的執著，而這執著又是每個偉大作品被看見的原始驅動力，「看紀錄片感覺像是堆疊另一個自己，把滿滿的期望投射在紀錄片中，反覆被激勵著。」
Kanye West 紀錄片《jeen-yuhs: A Kanye Trilogy》中的那句：「Every great story begins with a vision.」讓他當下感動至深，直接按下暫停鍵只為感受那一幕的震撼。除了紀錄片外，他也關注潮流與嘻哈文化圈，看看哪些品牌又做了什麼好玩的事，推出什麼新產品，時下人們在關注些什麼。「熱愛嘻哈文化是因為他們強調真實性，還有如何從不被認同到認同的過程。」很多東西都處在極限的情況下被突破，不停去踩底線，往前嘗試，成功就成了下個世代的養分。
跳躍的思維與習慣也被放置在創作習慣裡，一幅作品的生成旅程從發想開始，「當我起床後第一件事先洗澡，放點音樂，點起香氛，慢慢思考最近發生了什麼事。情緒上的、生活中的，再拿起畫筆在紙上構圖，從最原始的情緒開始，最後才分析畫面的組成。」有時他會刻意播放某首歌曲改變空氣中的氛圍與心情，為作品配上 BGM，有計畫性地去影響創作體驗。
千禧世代眼中的藝術家：「做」就是真理
藝術家在展現個人魅力與精湛技法的同時，也無聲巧妙地記錄著時代的紋路與筆觸，「我想，每個藝術家都在反應著時代。」無論是崇尚的學派、亦或風格技巧，時代中產出的氣質無法拷貝，時下人們在乎的議題、生活面臨的苦楚、潮流迭起的轉變，都深深烙印在藝術家身上，帶著歷史養分，自然為這個世代留下些專屬於時空縫隙中的藝術品。「而筆觸也記錄下時代的科技與工法。」朱晨維指向作品說：「像現在我大部分的作品都用電腦繪圖，線條比較俐落乾淨；但如果往回回溯幾百年，這樣的筆觸就不可能存在。」
看著好似充滿生命的線條竄動，不禁讓人好奇朱晨維是如何找到自己的創作風格？「同樣的東西反覆畫一百遍就能找到了。」他平淡地說，「找出自己最舒服的繪圖方式，第一張跟第一百張一定長得不同，最後直到你滿意的那張，它就是屬於你的。」
由此可知，朱晨維的苦行僧式創作實踐在每件作品細節裡，「我當然可以畫出很寫實的東西，但那對我來說沒有靈魂，也不是我想挑戰的，我只想把精力放在真正熱忱之物上，有就給出100%的力氣，沒有熱忱什麼都不用說。」他笑著補充說自己是位極端異徒，甚至認為在創作之路上，難關只會無止盡地出現，「總認為這個月的自己就應該要比上個月精進，遇到困難反而感到興奮，因為我知道跨過它我就能進步。」
當代藝術家生存守則
以努力與極致的熱忱打底，但在這個世代中，藝術家到底如何生存？「我們的生活實在太快了，資訊科技的飛躍讓整個成長的歷程被濃縮，現代藝術家只要找到對的方向、好的資源，也許就能在短時間內快速成長，甚至超越沉澱幾十年的藝術前輩。」但這也是我們感到焦慮的原因，深怕一日懈怠就被世界遺棄，成為資訊落差的孤兒。
「焦慮與生活平衡必須自我取捨，這也算是新的碰撞；回歸忠於自我，會自動降低焦慮感。」時時回頭觀望做藝術的目的，不去思考會紅多久、活在數字恐懼中，他堅信「有料就會繼續下去」，剩下的就是執行。我們無法預知未來，就像無法預知 NFT 存在，但這世代最大的寶藏就是曝光資源，而「做」就是真理。
「也許有些人的創作是構築虛幻的世界，但我更喜歡反映當下的背景，順著時代的浪潮去更遠的地方。」朱晨維只在乎是否背棄初衷，為他來說堅守「真實性」即是最高原則，這或許是純藝術與製造商的差別。
▲ Photo Credit：333 Gallery。
文化養成加速器，這個世代讓所有事都可能發生
在眾多前輩與先鋒的開拓下，台灣藝術圈愈來愈自由，「現在的藝術競賽接受度也更廣，這是不容易的事，也將影響到人們對藝術的認知。『這是藝術品嗎？』等質疑聲會減少。」偉大的作品不會被埋沒，大眾會接受創新，而不是在幾百年後才搬回來大力讚賞，在這個世代我們獲得「做自己也能成功」的機會，這是文化養成的加速器，而快速的世代讓每件事都可以發生。
世界毀滅之後
若世界毀滅，對朱晨維來說唯有藝術品與軟糖兩樣東西一定要被保存，他靦腆笑著，訴說對未來的展望：「還是想做一個很酷的沉浸式展覽！更遠的未來希望能有自己的品牌，跳脫平面之外，想嘗試雕塑、動畫、服裝，家具等。藝術是互通的，素材只是呈現的媒介。」這種彼此激盪的方式對他來說很有趣，讓人更期待未來看到更多朱晨維令人驚奇的作品！
Editor / Asta Chang
Author / Phoenix
Photographer / MIAO’s photography
Videographer / Hippo Song
Special Thanks / 333 Gallery, Zhu Chen Wei
文章轉載自：TRENSSE
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