由布萊得彼特（Brad Pitt）主演的《F1》集結了豪華演員陣容，與七屆 F1 冠軍車手 Lewis Hamilton 的號召力，獲得 F1 官方單位與各大車廠、現役車手的熱情參與客串，更在實際賽事安排實景拍攝。除了締造亮眼的全球票房，這部作品也讓原本在串流市場中節節敗退的 Apple TV，藉由製作這部作品的契機，重新搶占觀眾注意力。
原聲帶更找來多位當紅音樂人打造主題曲與賽道風格編曲，成為電影另一個強力賣點。原聲帶被拆解為兩條彼此競速的聲音賽道：一條由 Hans Zimmer（漢斯季默）領軍，延續他近年擅長的機械節奏與情緒氛圍的建構；另一條則是集結 Don Toliver、Doja Cat、Rosé、Tiësto、Ed Sheeran 等明星的流行單曲，幾乎可以獨立於電影之外被當作一張 Spotify 播放榜的「流行精選集」。
Hans Zimmer 的配樂退居背景，主舞臺則留給那些旋律更具辨識度、情感更直接、流通性更高的商業歌曲。Hans Zimmer 彷彿選擇在低速繞場，穩定但不搶戲；而流行巨星們則以情勁節奏副歌，一路貼地飛馳，最終在電影市場操盤的賽道上漂亮超車。
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「為什麼明明可以為其他史詩大片配樂，你卻選擇要做動畫電影？」Hans Zimmer 說，「因為自己就是小孩。」在動畫電影的維度，Hans Zimmer 發現他可以實現那些被世俗歸類為「愚蠢」的事情、可以盡情探索自己想像力的邊界，「我很認真看待那些蠢事。」Hans Zimmer 運用他心中的音樂祕笈，施展大俠之術，賦予這些動畫電影更為靈動的生命。Hans Zimmer 的機械節奏感
Hans Zimmer 再度攜手長期搭檔 Steve Mazzaro，延續兩人在2013年電影《決戰終點線》（Rush）中開展的實驗合作。《決戰終點線》描繪 James Hunt 與 Niki Lauda 兩位傳奇車手在賽道上的傳奇性，配樂雖是結合電子節奏、類比合成器與古典弦樂，但較重於歷史氛圍與人物性格的鋪陳，因此旋律感較重飽含情感觸動，像是〈Lost but Won〉。
而《F1》的配樂大多更傾向於抽象化的概念，更著重在賽車本身的機械感，並將賽道上的速度節奏直接化為聲音。電子聲響與弦樂並置，管弦樂象徵「坐在機器內的人類」，而電子聲響則是「機器」本身。
主題曲〈F1〉揉合懷舊電子合成音與 Synthwave 元素，令人聯想到《創：光速戰記》（Tron: Legacy）的 Daft Punk 曲風。這首曲子雖然有著磅礴的管弦樂主旋律不斷重複，但僅營造陽剛的氣場而非動人的情緒。不過其真正的強度，並非來自旋律本身，而是以穩定的拍速開展，堆疊出如同渦輪增壓般逐漸逼近的節奏波段，如持續轉動的引擎。
曲目如〈Run For The Podium〉與〈Drive Fast〉則展現出各別賽道上的節奏，與電影影像上的剪接點的高度配合，讓觀眾情緒緊貼比賽節奏。使用低頻鼓震模擬車速與轉彎張力，節奏感與場面氛圍契合，為賽事增添呼吸與壓力感。然而這樣的處理雖極具現場臨場感，卻也讓整體聽覺經驗略顯同質重複性高，部分情緒段落轉場略顯生硬。相比 Hans Zimmer 近年來的作品《沙丘》，層次變化稍嫌保守，且聲音的運用上也較缺乏前衛的實驗性，沒有真正能脫穎而出、令觀眾熟記的單一樂曲。
流行音樂巨星的狂飆競速
與 Hans Zimmer 冷調配樂形成對比的是收錄了17首原創單曲的《F1 the Album》，由全球流行巨星分別打造，曲風橫跨 EDM、Trap、 Pop、Rock，幾乎涵蓋當代主流音樂光譜。這些歌曲與其說是為劇情服務，更像是一場為用來全球圈粉而打造的音樂企劃。
其中表現最為突出的是 Don Toliver 與 Doja Cat 合作的〈Lose My Mind〉，結合主題曲〈F1〉進行重新編曲，這首歌融合 Psychedelic rap 與 Melodic Trap，低頻鼓震與空間混響強化車速與漂移的感官錯覺。Don Toliver 的副歌旋律飄忽，營造出在速度中迷失自我、意識模糊的聲音幻象。Doja Cat 則以急促饒舌切入、營造賽場攻防節奏，是整張原聲帶中最貼合車手心理的一首曲目。
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Tiësto 與 SEXYY RED 的〈OMG!〉電音層疊與舞池節奏重擊觀眾感官，近似車手賽後的派對，也像夜賽的燈光與躁動氛圍。Tiësto 延續他招牌 EDM 編曲邏輯，加入大量 Drop 與 Build Up 循環，推升觀眾情緒；SEXYY RED 的饒舌則刻意以黏稠語速與放肆腔調，讓聲音氛圍更加街頭、挑釁，是整張原聲帶中最具狂歡性與挑逗性的段落。
Ed Sheeran 為《F1》創作的〈Drive〉，可說是他音樂風格的一次大幅轉向。這首歌遠離他慣用的原聲民謠與抒情流行語法，改以強烈的節奏驅動，帶有濃厚的 Garage Rock 質地。由 John Mayer 操刀的吉他，使用 octave 效果器營造出粗獷而層次分明的 riff，搭配 Dave Grohl 狂放的鼓擊，使整首歌擁有一種衝撞的動能。
在電影中，〈Drive〉並未安置於 F1 賽事高潮的起跑段落，而是被安排在最終片尾——當布萊德彼特飾演的 Sonny 奪下 F1 冠軍後，不選擇留下，而是開著一輛拉力賽車，獨自奔向沙漠，飛沙走石之中繼續他的「Drive」。這首歌不再是為比賽服務的配樂，而是一種餘韻，是離開賽道後那股尚未降溫的衝動，即使勝利仍拒絕停下來的靈魂。
然而，整張專輯的多元與分眾策略也產生了副作用。歌曲與歌曲之間風格跳脫，缺乏明確的敘事主軸，部分段落甚至因旋律過強而遮蔽了劇情本體，成為這部電影選曲中最大的缺點，但卻成為了行銷的亮點，跨圈突破 F1 觀看賽事粉絲同溫層，吸引其他觀眾注意。
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內在速度 vs. 場外喧囂
如果將 Hans Zimmer 的配樂視為「車速的聲音」，那麼這些流行單曲便是「賽場外觀眾的喧囂」。前者代表車手專注而不輕易流於表面，人與機械合一的狀態 ; 後者則是觀眾耳膜裡的躁動熱血。兩者並置，恰如 F1 賽事本身就是一場高度技術整合與極致娛樂的共生產物。
這種原聲帶上的「雙軌並行」，或許是試圖解決當代電影產業的現實困境：當串流市場削弱觀眾前往戲院的觀影動力，音樂是否能成為新的鉤子？當原創音樂難以被單獨販售，全明星的單曲合輯是否更具市場價值？
然而最令人記憶深刻的，卻不是任何一首歌，而是最後一場賽事那段幾乎無聲的「飛行」鏡頭。當音樂收斂至只剩風與引擎的氣音、襯底迴盪的節奏聲響，觀眾反而進入角色最純粹駕駛感動。這或許說明，電影仍是影像的藝術，而最動人的聲音，往往不是最歡騰磅礴的旋律，而是靜默之後仍在耳邊回響的殘響。
撰文：詹氏
資料來源：Barron’s、THE FINANCIAL TIMES、Variety
圖片來源：F1 Movie Facebook、Formula 1
🫧「Smells Like… Spirit」樂手巢雜誌 VOL.23 探索自己的靈魂氣味
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