一場歷時2至3小時的演唱會，令觀眾沈溺其中的，除了表演者的歌藝、魅力或華服，還有那讓觀眾彷彿進入另個空間的「視覺體驗」，這現場建構出來的奇幻世界，靠得正是舞台設計。
說到馮建彰，或許大家一時反應不過來，但說到「二馬」，熟悉演唱會產業的人會立即恍然大悟：他除了與五月天長期合作，也曾負責蘇打綠、陳綺貞、蕭敬騰、李榮浩等人演唱會舞台設計，在業界已有20年資歷。還沒入行前，他就是個喜歡買票看演唱會的追星族，1998年後，他先把這份熱情奉獻給電視，在TVBS從美術助理做起，而後TVBS 與唱片公司合作的Live 現場音樂節目「SUPER LIVE 3-5」，是他接觸電視演唱會的啟蒙，那兩年每個週末密集的Live 經驗，也成了他現在從事演唱會舞台設計的豐厚養分。
總說自己來自類比時代，但當二馬談到參加傑尼斯演唱會看見舞台效果時，可以感覺到他瞬間發亮的雙眼；而聊到最滿意的作品，那發自內心的驕傲，不是因為得意，而是對舞台設計的熱忱與理想，20年過去，他依然是那個真心愛看演唱會的少年，懷著初心創作著。
透過二馬老師的分享，一起來窺探演唱會最炫目的元素－舞台設計。
一個演唱會舞台設計從無到有平均需要多少時間？
籌備期的時間長短與最後的成果其實沒有太大關係，只要方向明確、共識聚焦，短時間也能做出很好的成果。我遇過最長八個月、最短在兩個月內必須完成一個演唱會設計。
著手進行舞台設計前，會對歌手做什麼研究嗎？
第一件事，是先去研究這次演唱會想傳達的主題，這是演唱會的基礎論述；伴隨而來的則是音樂，先研究兩者之間的關係。至於音樂人本身，則是研究進程，包括歌手最近的狀態、近年的演出，一來了解他的脈絡，二來了解目前狀態適合什麼樣的演出，與音樂文本做交叉分析，再開始去做創意。
從哪些管道知道這些新技術，而另一方面，平時要如何累積創意？
類比時代，我們都從紙本找資料：建築設計、流行時尚等刊物；現在是數位時代，就是透過網路。不過當所有演唱會幾乎都可以在網路上找到時，也代表其他人也看得到，這可能讓演唱會越來越雷同，所以我還是會從非演出的東西：時尚秀、藝術家等策展活動去找靈感，才能把不同的東西放進想法裡。
演唱會舞台設計在製作或技術上最困難的地方？
最困難的地方就是成本控制，現在演唱會使用的科技越來越多：浮空投影、AR、VR、無人機等，但也要反問：演唱會對於新科技應用的錢哪裡來？會不會為了新科技另列預算，新創科技的高成本勢必會轉嫁到製作成本上，這就會產生矛盾。大家都在講新創科技，但產值在哪裡？這是必須思考的。我認為不該一味追尋最新技術，而是回到創意面，希望創造什麼樣的畫面，再想辦法實現。
參與演唱會製作發生過最有趣的事？
做演唱會有個禁忌：就是不能吃包子、也不能吃蝦，怕「出包」跟「很瞎」，但我一直都滿鐵齒的，有次蘇打綠南京演唱會前，我買了肉包，叫了太多還外帶給工作人員。這場演唱會後來LED 全壞，也就是有2/5時間視覺是切黑的，有趣的是，觀眾依舊非常High。結束後，我問視覺動畫的工作人員，現場絲毫不因沒了視覺效果而冷場，會不會覺得沮喪？對方說：「對啊，這樣我存在的意義在哪裡？」 這當然是玩笑，但也讓我們思考，演唱會、音樂的本質是什麼。
印象最深刻的舞台設計是哪一場演唱會？為什麼？
我在電視台剛入行的時候，真正接觸的第一場演唱會，就是莎拉·布萊曼（Sarah Brightman）。雖然是電視演唱會，但這是我第一個大型作品，是入行的最初心，加上如她一樣國際天后，現在也比較難合作到，所以過了20幾年還是很難忘。
理想舞台設計的要素是？
以2005年為分水嶺，類比時代時，我們會說要以音樂為文本，舞台設計是一個將音樂放大的輔助角色；2005年後，我們的工作成了「對話」，現在音樂必須結合MV，才算正式發表，大家都是先「看」音樂，才「聽」音樂，所以視覺在音樂上扮演的角色越來越吃重。視覺與音樂必須結合而成為作品，演唱會也一樣 必須創造自己Live 的生命，才能與音樂人結合為作品。
類比與數位，呈現出來的視覺效果上有何不同？
我還是比較老派，現在還是認為實作佈景是最有溫度的，當然不能變換也是缺點。近年我也越來越喜歡結合實景與影像，虛實結合的手法。大家做演唱會沒有預算，第一個反應就是用LED 帶過。而我認為，在預算許可下，真正最理想的創作是結合數位視覺與實作佈景。在五月天「人生無限公司」演唱會上，可以發現充滿大量視覺、LED 螢幕，但舞台左右上方也有許多高低不一的尖塔，當時負責團隊花了許多時間跟總裁推敲：尖塔的高低、密度、前後，只為了創造演唱會所呈現的城堡印象，再結合動畫視覺，對我來說，才是完整的創作。
身為舞台設計師，希望最後觀眾看完演唱會能留下什麼？
第一個答案當然是記憶，如果觀眾沒留下記憶，就代表我們的工作徹底失敗。在還沒入行前，那時台灣還不流行演唱會，我很喜歡買票去看演唱會，現在當然也是。拿我自己來說，除了記憶，也希望賦予大家人生重新出發的力量與動力。張學友的演唱會上，他曾說：「如果你覺得現在一切都不太順利，那我要恭喜你，接下來要開始順利了，因為人生就是這樣，高潮迭起。」還有張震嶽演唱會，中間一段VCR 他引用了媽媽的話：「上坡要努力，下坡要快樂。」這些片段都曾經勉勵當下的我，我認為帶給大家力量是一件很重要的事。
演唱會取代了過去的唱片等成為音樂產業主要收益來源，您認為，演唱會熱潮會延續多久？或下一波潮流在哪裡？
演唱會是Live 與線下的活動，不管是全媒體時代、電視廣播時代、報章雜誌時代，都有Live，包括野台戲、布袋戲都是。Live 是不會隨時代改變而消失的，近年因為台灣有了許多場館而帶動演唱會，這會持續下去成為生活的一部分。過去我們無法想像會有演唱會舞台設計、動畫視覺設計這樣的行業，現在則要去想15年、20年後會是什麼樣的產業，很多工種職業會因為時代變遷下而淘汰，這值得我們去思考。
舞台設計在學術面並沒有完整的培訓系統，若想從事這一行，可以先從哪方面開始著手？
現在學校裡已有專業的流行音樂教學，我在南臺科技大學就負責流行音樂產業系中舞台設計的教學，台灣也在推動舞台設計的職能檢定，我也是委員之一。這些事政府已經在做，但也引出一個問題：培養出這麼多舞台設計的人才，他們會有飯吃嗎？另一個思考模式是，第一，舞台設計不僅是創意，有50%以上其實是專業技術，後面牽涉了許多繁雜乏味的專業技術問題，像是跟不同工種對接、現場工程架設監工等，所以舞台設計分為不同方向：有人走創意發想，有的走專業技術，即便是繪圖員，只要夠專業，都能找到自己的路。
撰文：Aggy Cheng
攝影：傀儡
