從1999年的《心靈角落》（Magnolia）與創作歌手 Aimee Mann 的合作，她的歌曲〈Wise Up〉與〈Save Me〉不僅貫穿全片，更啟發了劇本本身；到2002年《戀愛雞尾酒》（Punch-Drunk Love）邀來製作人 Jon Brion，以玩具作為打擊樂拼貼出樂章⋯⋯Paul Thomas Anderson 一向擅長為自己的電影找到能提升影像豐富度的音樂家。而當他與 Radiohead 吉他手 Jonny Greenwood 展開長期合作後，這份對聲音的執著終於臻於成熟，一套獨具辨識度的聲音美學從此確立。
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對多數人而言，Jonny Greenwood 是 Radiohead 的主奏吉他手，以不協和與電子聲牆撕裂搖滾結構的實驗者。然而，在古典樂界，他同樣展現出深厚造詣。雖非學院派出身，Jonny Greenwood 其實受過正統的弦樂訓練，具備紮實的作曲與理論基礎。2004年，他受聘為 BBC 音樂會管弦樂團駐團作曲家；2012年，又加入澳洲室內樂團（Australian Chamber Orchestra）的駐團計畫，正式跨入當代古典音樂領域。
Jonny Greenwood 的音樂語言帶有攻擊性與挑釁性，深受波蘭作曲家 Krzysztof Penderecki 影響。他擅長以弦樂的摩擦、不協和的集群音構築壓力感，讓「美」成為緊繃與扭曲之間的瞬間平衡。而在與 Paul Thomas Anderson 的合作中，他將古典語法與現代合成器聲響融為一體，以聲音描繪角色對控制、慾望與孤獨的掙扎。
Paul Thomas Anderson 與 Radiohead 交情深厚，他曾為樂團與主唱 Thom Yorke 個人執導多部音樂影像，包括：《The King of Limbs: Live from the Basement》（2011）、〈Daydreaming〉MV（2016）與《ANIMA》（2019），而自《黑金企業》（There Will Be Blood, 2007）起，Jonny Greenwood 便與 Paul Thomas Anderson 展開長期的合作，成為他執導作品的靈魂之一。
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駛過鐵軌的呼嘯聲響起，發現原來自己身處地下隧道，不斷前進，像是模擬進入睡眠狀態神經系統，伴隨著漸漸增強的電子聲響，一股暈眩感襲捲全身，將一個個觀看的靈魂吸入《ANIMA》的世界⋯⋯Thom Yorke 不願受框架的性格，體現在他的第三張個人專輯《ANIMA》，除了音樂作品，還找來導演 Paul Thomas Anderson 執導同名短片，是他初次嘗試將音樂與電影短片結合之作。2025年兩人再度合作，推出新作《一戰再戰》（One Battle After Another, 2025）。在欣賞這部於美國口碑極佳、並創下 Anderson 生涯開片票房紀錄的作品之前，不妨回顧他與 Greenwood 以往的幾次精采合作：
《黑金企業》（There Will Be Blood, 2007）
地殼裂縫迸出的大地吶喊
Paul Thomas Anderson 的《黑金企業》是一部關於慾望、信仰與孤獨的史詩。故事以十九世紀末美國西部的石油淘金時代為背景，聚焦在主角 Daniel Plainview（丹尼爾戴路易斯 Daniel Day-Lewis 飾），如何從礦工變為石油巨擘的過程。在這部電影裡，石油被刻畫成大地的血，而人類的掘取行為，是對自然信仰的藐視。這部電影的配樂，如：Jonny Greenwood 獲2006年 BBC 英國作曲家獎聽眾票選獎的〈Popcorn Superhet Receiver〉充滿強烈不協和的音響，這首曲子即是受波蘭作曲家 Krzysztof Penderecki 的〈廣島受難者之輓歌〉（Threnody to the Victims of Hiroshima）影響。
Jonny Greenwood 大量使用弦樂器的延長音、刮擦來模擬鑽井機的金屬質地以及地鳴聲。大提琴與低音提琴的厚實形成宛如沉積層的隆起，中提琴與小提琴則摩擦出沒有固定節奏的尖銳聲響，手法與 Bernard Herrmann 在《驚魂記》（Psycho, 1960）裡高音弦樂的斷奏與不協和滑音、模擬刀刃劃開空氣，以弦樂作為心理壓力主體的方式類似。只是 Jonny Greenwood 把那股「恐懼的尖銳」轉化成「地殼承受的壓力」。
電影序幕中，合成器所塑造出的金屬轟疊加聲響響徹雲霄，在畫面上我們隨著鏡頭從山往下移動到油井之下，看到野心勃勃的 Daniel Plainview 與石壁搏鬥的景象。深沉的和弦在小提琴、低音提琴與大提琴之間傳遞，背景中可聽見幾乎不可察覺的電吉他與合成器延音，與美國西部的冷峻遼闊，荒涼又黑暗的景象交織。
〈There Will Be Blood〉開頭的弦樂以斷裂的重擊與不協和滑奏推進，節奏急促卻無旋律，像地殼的震動，也像 Daniel Plainview 被慾望反噬、內心崩解的節拍。中段弦群層層疊加，音高在上升與下沉之間震盪，形成既狂亂又靜止的矛盾張力，到最後整首曲子像把人抽乾血液，在結尾突然而止，留下令人窒息的靜默，文明與慾望坍塌後的空洞。
《性本惡》（Inherent Vice, 2014）
迷幻懷舊的模糊記憶
改編自 Thomas Pynchon 的迷幻偵探小說，《性本惡》描繪一個介於嬉皮夢與資本陰謀之間的七〇年代加州。故事以一名頭腦混沌的私家偵探 Larry “Doc” Sportello（瓦昆菲尼克斯 Joaquin Phoenix 飾）為中心展開，他在前女友 Shasta（Katherine Waterston 飾）神祕回歸後，被捲入一連串關於失蹤富商、海上毒梟與虛幻陰謀的案件。這部電影既是偵探片，也是一場意識的迷霧旅行──真相、幻覺與懷舊交疊成一種無法醒來的夢。
Jonny Greenwood 的配樂在這裡出現了明顯轉向──不再像《黑金企業》那般冷峻與壓迫，而是披上柔光與霧氣的質地，進入一種模糊而傷感的浪漫。貼近「舊好萊塢」風格：厚實抒情的旋律、浪漫溫潤的木管緩慢點綴，喚起1950～1960年代愛情電影配樂的感受，卻故意用不穩定的節奏與和弦旋律，讓記憶像是被時間稀釋，成為充滿謎團的幻象。
當前女友 Shasta 在多年後突然出現在他面前，帶來一宗關於失蹤地產巨商的委託，Doc 開始倒帶記憶⋯⋯〈Shasta〉以溫柔的弦樂延音與雙簧管、長笛交織的氣息展開，像黎明滲入薄霧，也像主角對失去愛人的回望。旋律在半音之間緩慢滑行，沒有明確歸屬的大調或小調，使情緒在希望與失落之間晃動。
〈The Golden Fang〉讓整張原聲帶在煙霧般的浪漫之後，陷入一種華麗卻逐漸腐蝕的幻覺。槌擊木琴的清脆聲響與吉他琶音交錯，聲音在空氣中閃爍，如汽車旅館停車場上蒸騰的熱氣，呈現有洛杉磯陽光下的黏稠悶熱感。既輕盈又不安，如權力、慾望與毒品的誘惑襲來。
整張原聲帶除了 Jonny Greenwood 的配樂外，還穿插了 CAN 的〈Vitamin C〉、Neil Young 的〈Journey Through the Past〉與坂本九（Kyu Sakamoto）的〈Sukiyaki〉等曲目。CAN 神經質的節奏與前衛的德國迷幻搖滾，象徵反體制與意識擴張；Neil Young 的民謠則以溫柔的憂鬱，呼應 Doc 內心的失落與徒勞；坂本九的日本流行曲，顯示出時代的文化正開始多元的混雜感。
《霓裳魅影》（Phantom Thread, 2017）
控制、依附與欲望的縫合
故事設定在1950年代的倫敦時尚界，天才裁縫師 Reynolds Woodcock（丹尼爾戴路易斯 Daniel Day-Lewis 飾）如強迫症的精準與潔癖，打造出一件件完美的禮服。他的世界被秩序與優雅包裹，直到遇見侍女 Alma（Vicky Krieps 飾），開始在布料、針線與餐桌之間展開一段「有毒」的關係。
本片配樂轉向極致的古典優雅，Jonny Greenwood 以弦樂團為基礎，結合鋼琴、豎琴與少量木管，編曲如法國印象派拉威爾（Ravel）、德布西（Debussy）的音樂流動。整體風格既繁複又脆弱，彷彿一襲高訂禮服，每一根線都經過計算，每一寸光澤都隱藏著某種焦慮。
電影中共有四首同名曲目〈Phantom Thread I–IV〉，同個主旋律透過不同編曲方式與變奏塑造不一樣的氛圍，這四首曲子構築出一條從甜蜜、控制到崩潰再至平靜的過程：
〈I〉以密集弦樂群端出主題，線條優雅卻緊繃，宛如 Reynolds 縫紉時神經質的專注；
〈II〉由鋼琴獨奏開始，旋律溫柔而節制，隨後弦樂緩緩加入，像愛情初綻的柔光；
〈III〉鼓聲驟然出現，帶來厚重的脈動與重量。低音弦與打擊交疊，使主題磅礡又壓迫像是兩人關係開始瓦解的瞬間；
〈IV〉回歸靜謐但帶有不和諧音調的小提琴四重奏，削去其餘樂器的搭配，像是被控制後的孤寂。
〈For the Hungry Boy〉這段音樂出現在關鍵的餐桌場景，Alma 以含毒的蘑菇「餵養」Reynolds，將愛情轉化為一場溫柔的支配。旋律表面甜美，卻在中段潛入細微的不協和音，如毒液滲入血管般緩慢擴散。隨著畫面推進，音樂愈發完美，卻也愈發令人窒息，Jonny Greenwood 以古典的優雅包裹著操控與依附，讓愛情在聲音裡發酵成一種危險的美感。
《甘草披薩》（Licorice Pizza, 2021）
加州陽光下的青春愛戀
故事聚焦於十五歲的少年 Gary Valentine（Cooper Hoffman 飾）與二十五歲的女子 Alana Kane（Alana Haim 飾）的相遇，展開一段既不屬於愛情，也超越友誼的模糊關係。電影片名《甘草披薩》，是指黑膠唱片的顏色和質地，有如一片「甘草糖」，也代表著片中出現的唱片行。傳統膠片帶來顆粒感的加州陽光，政治運動、石油危機與流行文化交織成一場叛逆的青春夢。Paul Thomas Anderson 以輕盈筆觸重返《性本惡》的世界，卻從迷霧轉為炙熱，從迷幻的懷舊走向青春成長。
本片如《性本惡》一樣大量穿插六〇、七〇年代的歌曲：David Bowie 的〈Life on Mars?〉充滿幻想與逃逸感的旋律，呼應年少對未來的困惑與渴望；Paul McCartney & Wings 的〈Let Me Roll It〉藍調式的搖擺節奏則帶著曖昧的熱度，映照愛情萌發時的衝動與遲疑；而 Sonny & Cher〈But You’re Mine〉的甜膩對唱，則像青春期那種一邊試探、一邊怕失去的依戀。這些曲目不只是背景音，而像青春的情緒軌跡。
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這部電影的靈魂之一，是飾演女主角的 Alana Haim，她並非職業演員，而是現實中獨立樂團 HAIM 的主唱與吉他手（Paul Thomas Anderson 曾為她們執導多支音樂錄影帶）。Alana 的存在不只是角色，而是為電影帶來 Indie 節奏感，她走路的姿態、講話的速度、眼神的犀利，都像鼓點，讓兩人的相遇構有著一股青春躁動。
主題曲〈Licorice Pizza〉鋼琴與木琴敲擊聲響交織，音色如水珠落在玻璃上，清脆、透明，卻帶著時間的暖意。細微的弦樂在背景中延展，像遠方的氣流在推動整個畫面，整首曲子如青春的遲疑與心跳的錯拍。Jonny Greenwood 在本作不再以實驗性質的音樂主導畫面，而是讓角色的聲音與步伐成為節奏本身。當 Alana 騎著腳踏車穿越山谷、Gary 在片場奔跑，是青春最真實的頻率。
《一戰再戰》（One Battle After Another, 2025）
城市裡潛伏的革命勢力
本片聚焦於前左翼革命者 Bob（李奧納多狄卡皮歐 Leonardo DiCaprio 飾）與他的女兒 Willa（Chase Infiniti 飾），在革命夢碎後的逃亡之旅。多年以前，Bob 是名為 French 75 的激進組織一員，在邊境拘留營策動解放與爆破；十六年後，他用酒精來麻痺填滿生活，而 Willa 成為他生命中最後一根支柱。當昔日敵人重現、迫使逃亡重啟，父女倆被捲入一場對抗右翼集團的危險旅程。
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Jonny Greenwood 與 Paul Thomas Anderson 合作以來，常以堆疊不協和的弦樂模擬人心壓力作為配樂方式；然而在《一戰再戰》中，他反轉了這套語法。這一次，他以「少即是多」的手法構築聲音世界，不再讓弦樂或合成器主導節奏，而是以鋼琴極簡、機械地反覆彈奏同一音符，形成潛伏於城市底層的脈動，展現躲避中的革命軍那種低聲運作的焦慮。打擊樂偶爾突擊式闖入，如游擊戰般即興又致命；弦樂不再層層堆疊，而化為單一卻磅礴的音牆，而音域集中、能量集中，構築一種悲壯的張力，主題曲〈One Battle After Another〉最具有代表性。
不過，原聲帶中也有屬於父愛的時刻，〈Baby Charlene〉出現在電影中 Bob 面對敵軍時，想辦法先將女兒寶寶 Charlene（因安全因素後改名為 Willa）送去安全的地方。全曲也是幾乎靠鋼琴撐起氣氛。一條旋律像心跳一樣反覆彈著同一個低音，節奏固定、速度不快，聽起來像潛藏在夜裡的呼吸；另一條則像即興般的琶音。這兩個層次讓音樂一邊穩定、一邊游──像是有人在努力維持冷靜，但情緒又忍不住要溢出，烘托為人父在深夜的焦躁不安。
撰文：詹氏
圖片來源：Pål Hansen、Radiohead Facebook、Shin Katan
🪇「綠洲世紀大復合！」YSOLIFE 雜誌 VOL.24 奇蹟活久見
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