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由派樂黛唱片主辦的「2021 CPEM電音製作解密」課程於11月21日委任女孩與機器人團長 Jungle 主講「混音後製基礎觀念」，他率先提問課堂學生是否有宅錄的經驗，接著分享幕後工程，包括：錄音、混音到母帶後期處理……等工作的重點事項。Jungle 表示，現代資訊快速流通，不妨廣泛聆聽、觀察線上的作品，並嘗試其作法。畢竟聲音最終的成果是無法被「看」見的，只要能做出效果，選擇什麼樣的方式並不重要，此外也提醒不要預設一定會有很棒的結果。 「現在視覺很容易壓過聽覺，對錄音工程有興趣的人，要養成『盲測』的習慣，訓練出精準的聽感，會更知道自己該怎麼做。」 ＃宅錄基礎與過帶 Jungle 表示，錄音品質跟器材有很大的關係，通常器材設備越貴，聲音特性就越好。「宅錄」比較常錄到人聲和吉他，雖然在自家工作時間充裕又自由，但會有音質和環境音的問題，然而雜音都可以修正，錄音時如何控制好跟麥克風的關係，卻是個大問題。嘴巴跟麥克風的位置關係，最需要花時間嘗試，不同的距離、方向會形成不同聲音。一般而言，離麥克風越近，低音越多；離越遠，低音越少。覺得聲音糊糊時，就要把麥克風拿遠一點。 從事歌曲製作，選擇什麼樣的 DAW（數位音樂工作站）並不重要，主流的商業混音用 Pro Tools，但不用 Pro Tools 也沒關係，只要檔案能跟混音師溝通就可以了。將錄音過帶交給混音師前，要把 Gain（增益）和 Volume（音量） 做好、調整好 Balance，確保讓混音師一打開檔案就能清楚明白製作人、編曲心目中的理想。 ＃混音基礎 以混音基礎而言，不管硬體或軟體，工具可分成四大類：EQ、DYNAMICS、CHARACTER、FX，這些工具可以打造不同風格、做精細調整，或是給更多聲音。Jungle 鼓勵音樂創作者多多嘗試、體會，盡可能運用自己手上的資源，學習精準地控制、模仿想要的效果。 ＃Jungle 的混音心法： 先幫音樂建立自己的畫面 → 聽前端（編曲、錄音師）的想法 → 開始混音 → 與業主、製作人溝通 Jungle...

派樂黛唱片主辦的「2021 CPEM電音製作解密」於11月20日開設「電子音樂之配器應用」，課程邀請宇宙人貝斯手方Q主講電貝斯篇。玩樂團出身的他，專長包括貝斯演奏、製作、作曲、編曲等。他坦言，剛加入熱音社時並不認識貝斯，只因為身高較高而被分配這個樂器，發現貝斯其實很契合自己的個性，也是很帥的樂器。 論及音色，方Ｑ說：「從樂手角度出發，我會比較喜歡使用電貝斯音色，或是用電貝斯去模擬合成器的聲音。要做到這點首要的不是苦練樂器，而是把注意力偏向 sound design，致力做出很酷的音色。」而對於製作人、編曲人來說，想把電貝斯音色運用得好，他推薦去了解一下電貝斯的發聲構造和彈法，如此才能在尋找音色時比較有概念。 ＃什麼是電貝斯？ 電貝斯是吉他家族中音域最低者，是使用拾音器收音的撥弦樂器。樂器構造、拾音器、弦、手擺放的位置……等因素，都會影響音色變化。 美國發明家 Leo Fender 是 Fender 樂器公司的創辦人，他從40年代開始設計吉他、貝斯與放大器，至今仍廣為流傳，1951年他開發的 Fender Precision Bass 設下電貝斯的標準，Precision Bass（簡稱 P Bass）和接下來開發出的Fender Jazz Bass（簡稱 J bass）、Musicman Stingray 這三款，可說是電貝斯界的三本柱。方Ｑ說，主流流行歌約七成都是來自 Fender 的聲音，對流行音樂影響的程度不輸給麥可傑克森或披頭四。「有趣的是，他不彈奏樂器，是工科仔。」 會影響聲音的除了拾音器種類，擺放的位置影響也很大。靠近琴橋接收到的泛音比較多，聲音會比較集中；如果靠近琴頸則多基頻，音比較大顆而厚實。 貝斯使用的弦主要分纏繞弦（Roundwound）、平繞弦（Flatwound...

派樂黛唱片主辦之「2021 CPEM電音製作解密」11月14日邀請編曲師徐皮（本名：徐平）主講「電子音樂之編曲概念」。他強調，做編曲不需要樣樣精通，但得通曉樂理，知道各種樂器、設備如何運作，凡事熟能生巧。「電子音樂並不冰冷，做音樂就是包容性越強，可能性越多。合成器是很強而有力的工具，不能聽得不夠就先嫌棄。另外，懂樂理可以幫助你在音樂創作道路上更自由，懂不懂樂理是騙不了人的。學樂理最好的樂器是鋼琴，黑白鍵就是最好的座標。」 徐皮自稱是「沒錢出國的土炮系音樂人」，最初迷戀硬搖滾，後來也喜歡另類搖滾、日搖、電影動畫原聲帶、J-pop，成為吉他手後開始認真鑽研搖滾樂，同時也在摸索效果器過程燃起對音色製作的興趣。退伍後，他至唱片公司當一年助理，之後投入流行編曲至今。 ＃厲害的編曲是清楚交代元素 2013年轟動網路的哈林搖（Harlem Shake）影響許多舞曲的做法，徐皮認為，厲害的編曲就是讓主旋律、hook之類的元素成為角色，又給出一個個場景轉換，讓角色產生不同面向。傳統工業流程歷經作詞、作曲、編曲、混音四個階段，他觀察，現在編曲師跟 beatmaker 都很積極跟歌手合作寫歌，擺脫傳統的唱片工業流程。然而在台灣音樂產業，詞曲有版稅，編曲和混音卻沒有，這是值得爭取的議題。 ＠徐平編曲作品：蘇慧倫〈安和〉 ＃編曲的基本流程 一般而言，編曲工作由製作人給指令開展，了解這首歌想要有什麼感覺，譬如確認形容詞（輕快、愉悅、迷幻）、描述類型（如 city pop、chill wave），或者直接參照現有歌曲。徐皮收到歌的第一步是先拉出段落，找出適合的節奏型態。他認為編內容簡單的歌時，不妨多做聲音設計，豐富配器音色；如果曲子濃烈，那就從設計聲音動態下手。節奏若重，音符會單純很多，就像做餡餅，想包很多碎料，總要一片餅皮。 有些獨立電子樂（Indie Electronic）設計許多 loop，這麼做的好處是降低聽眾的學習成本，可以快速熟悉曲子的動態。「對流行音樂來說，有記憶點是很重要的事，編曲要做符合期待值之內的事，並且有期待值以外的安排。無論如何，作曲優秀，編曲就不用費神填補。」 底盤（節奏、音色）編完之後，其餘都是設法與人聲做互動。徐皮說，流行編曲都是因為歌手存在，事情才得以發生，所提供的服務都是烘托人聲，要善用配器輔助，不要逃避跟人聲互動。「以前我剛玩樂團時，不喜歡編曲被人聲牽著鼻子走，後來好像遭報應似的，做起全力服務歌手的流行音樂。」 他有感而發，華語流行樂產業嚴重萎縮，盈利模式不同於以往，創作時常受到預算限制。「做商業案要考慮的事情太多，要服務多方人馬。」在成本外部化的現實下，製作人不會限制編曲師的手段，音樂人也樂於投資巨款採購樂器設備。 Rough mix（初混）並非編曲的第一要務，但代表想要呈現的狀態。徐皮建議每編一個段落要重新處理，又或者卡關時，把所有音軌都關掉，再一軌軌打開、一層層檢視。「我交混音時會先確認內容，刪掉不存在的軌道。整理工作看似無聊，其實很重要，作品不能有老鼠屎。」 ＃華語流行歌的編曲法則 法蘭翻唱梅艷芳的經典歌曲〈親密愛人〉將預算著重在錄製弦樂，鋼琴由徐皮彈奏，他說，處理華語流行歌曲，有旋律所有事情都好說。每首歌都是一個故事，抒情歌的常用套路是：第一段很平靜、空曠，編制幾乎只有弦樂，中間設定一見鍾情的暈船感，後面用 full band 灑狗血、營造滿溢的情緒。編曲要懂得舉一反三、轉換場景，對聽眾進行認知作戰，特別是處理經典翻唱歌曲時，除了要展現原有的氣味，還要賦予新意，譬如讓法蘭的人聲變成留聲機效果，就算不唱歌，也可以用樂器當角色表現個性。 「流行音樂編曲不用太多格式，被經驗過的格式，大家才知道怎麼走起伏，內心會產生期待。當然你可以不同於格式，但就會沒那麼好理解。想講出高超的故事，最一開始就要設定好歌的格式、脈絡。會感動人的創作，動機超級重要，就像厲害的藝術家不只是技巧高超，若無法傳遞想表達的主題，表演就是空乏的。」 ＠徐平編曲作品：法蘭〈親密愛人〉 ＃怎麼參考 reference？ 徐皮剛入行時很抗拒找參照，質問「為什麼創作者不能做自己、要學別人？」直到逐漸了解參照的使用方式後，才減少糾結。「參照是要從中提取元素，譬如只提取這首歌的配器，沒有使用它的樂句或格式。參照太多是抄襲，只有提取一點東西，還是可以在範圍之內做自己。」 ＃觸類旁通，能力強，人脈也要有！ 音樂產業一直以來都重視人才開發，徐皮提醒，建立人脈對音樂人而言同樣是成功要素。「交朋友跟聽音樂一樣重要，想進入業界，能力強，人脈也真的要有。」 從事不同領域、形式的案子，時常啟發徐皮了解自己的創作偏好、確認自己為什麼做音樂，他也鼓勵多方學習音樂以外的藝術創作形式，有助觸類旁通。 「做商業音樂有趣之處就在於角色轉換。待在同一個位置太久會迷失自我，站在別的位置才能從其他視角對比當下、看清自己。很多人說做商業案很綁手綁腳，但這才是真實世界。每個案子都有它的限制，怎麼在限制裡做出動聽的東西，就看你的手段高不高明。」 ＃徐皮編曲作品 ＃徐皮推薦動畫 《別對映像研出手！》 →學習掌控預算、時間、權衡結果。 《藍色時期》 →參考怎麼理解作品，培養創作動機。 《爆漫王》 →談創作時怎麼面對編輯與讀者的期待，要討好群眾嗎？還是做自己？ 派樂黛唱片 官網：https://darkparadiserecords.com 臉書：派樂黛唱片 Instagram：@darkparadise_records 編輯紀錄：蔡舒湉 來源：派樂黛唱片 訂閱樂手巢，周周更新器材節目：https://www.youtube.com/YSOLIFEchannel/ https://ysolife.com/cpem-brandy/

由派樂黛唱片主辦的「2021 CPEM電音製作解密」系列課程，11月7日主題是「和聲編寫基礎教學」，講師布蘭地為和聲老師，亦從事錄音配唱、人聲設計發想等工作，入行近20年來累積豐富的經驗。布蘭地表示，人聲（vocal）是最直接的樂器，也是編曲的一部分。各種樂在手消化完一首新曲子後，嘗試設計用各種手法，在樂器上呈現出理想的樣貌與聲響。和聲意義也相同，但是透過聲帶發聲，透過不同咬字、口型、音色運用、情緒表達 ，拼湊出所想呈現的情境。本堂課以分析運用和聲的編排結構和屬性為主。 ＃Overdub ，聲響的堆疊，讓人聲動態更生動 布蘭地表示，和聲最基本的功能之一是支撐主旋律（歌唱或饒舌）。人聲可以發出的頻率有一定的範圍，補強人聲的角色不是其他樂器能輕易取代的。例如：當主旋律的句子比較輕時，這時就能透過和聲把較單薄的人聲頻率補足以增加句子的重量。在電音曲風裡，許多時候會用人聲表現一些重要的 hook，例如：許多80年代 Disco 歌曲都會運用和聲表現一個重要的 hook，只有一個 vocal 是沒辦法完成所有重要旋律的。 試著分析以下歌曲是怎麼操作和聲的呢？ Peggy Gou 的〈Starry Night〉整首歌以齊聲和聲（unison）貫穿，表現出 Chorus 效果的 vocal 個性。Unknown Mortal Orchestra 的〈Hunnybee〉亦是unison手法貫穿整首歌曲，但主歌、副歌的向位不同，讓聽覺在不同段落有不一樣的層次體驗。Jungle 的〈Casio〉則是巧妙運用高八度音（octave）提亮旋律。Daryl Hall & John...

由派樂黛唱片主辦的「2021 CPEM電音製作解密」系列課程，11月3日由創作歌手、DJ、電子流行組合女孩與機器人主唱 RIIN 主講「流行電音詞曲創作」。她說，音樂世界大到學不完，圈子待久了，就可從累積的經歷學到很多事，而沒碰到的事情，也可藉由相互學習擴展眼界。無論寫詞、作曲、編曲⋯⋯，武器越多就越好用，建議在生活中多多累積彈藥，以備不時之需。 
＃先有詞還是先有曲？ 音樂是超越語言的東西，不用學，自然就具備欣賞的本能，譬如空靈的梵文吟唱、動感的 K-pop、震撼心房的808鼓機，或是使頭皮起雞皮疙瘩的嗓音，此皆證明音樂是跟身體溝通的介質。對 RIIN 而言，流行音樂的發展與其說先有詞或曲，不如說是先有 groove。傳統民謠著重講故事，配器不用複雜，歌詞內容就足以完整表現音樂。電子音樂則多屬用文字服務旋律，用 flow 服務一首歌，但也非歌詞不重要。 有人認為詩意精緻的文字是一種審美，有人喜歡用很通俗的語彙說出很真實的故事，不著重於辭藻也是一種風格。無論如何，建立自己的「詞彙筆記本」都是必要的事。詞彙筆記本蒐集所有觸發你的詞彙，每個人的注意力不同，生活中也充斥各式各樣瑣碎的資訊與理念，路上的招牌、新聞事件、Podcast 節目，還有腦中閃過的意念、生活型態的問題⋯⋯等，在大量吸收「有感覺」的文句後，慢慢把心態調到平靜狀態去解析出像 punchline 的一句話，就可以成為寫歌的武器。 從詞彙筆記本中抓出的不一定是字詞，也可能是一種感覺，這會決定一首 demo 的發展方向，或是感性灰藍，或是外放明亮。主題不見得是歌名，但必定成為歌的主旨，從中發展成 hook 或 punchline。 對中文流行樂來說，歌詞仍佔據重要位置。在蒐集越多資料後，對文字就會越來越敏感，慢慢對詞彙萌發新的想像。你也可以從跟文字的連結了解自己專注的面向。譬如情歌有很多寫法、切入點、說故事的形式，寫越多、蒐集越多，越能幫助你完成歌的骨骼。 RIIN 的手機語音備忘錄錄製許多 vocal hook，這些長長短短的素材是取樣自己發出的聲音，可留待日後檢視。她發現寫歌似乎都有慣性，創作者可以決定這是個人特色，或是打破僵化的模式。聽不同音樂、跟著新音樂唱，可增大守備範圍、擴展舒適圈。 ＃刻意的練習 大家都喜歡音樂，但你有每天做音樂嗎？不管作詞、作曲、設計音效、練琴，透過刻意紀錄，對自己的掌握度會更高。譬如 RIIN 在發現自己喜歡三連音後，才知道如何做出新突破。這幾年，她刻意地建造出生活習慣，讓創作變成像刷牙般的日常儀式，幫自己設定每天固定十分鐘做這件事情。她建議剛起步不要設太高的門檻，重點是要能每天施行，才不會造成龐大的心理壓力，頻頻出現倦怠感。關係會流動，要保持對音樂作品的心理彈性。建立成習慣後，會完全改變你的生活，以及跟音樂的關係，變成一種肌肉反射動作。 身為全職音樂人，RIIN 早上起床吃完早飯，固定用半小時到一小時的時間不顧一切地寫歌，還要讓自己聽新的音樂，一天發現一首不認識的新歌，這是對喜歡音樂的自己下的功課，而且就像刷牙這麼簡單！ ＃非線性的創作 對...

電子音樂其多變特性，成為流行與樂風跨界的熱門要素，是現今大多數音樂人的必備技能。「CPEM電音製作解密」由獨立電音廠牌派樂黛唱片所舉辦，音樂製作人黃少雍及流行電音組合女孩與機器人擔任課程總監，從音樂導聽、製作觀念開始，再以單曲實際製作流程：唱作、和聲、編曲與混音後製規劃系列課程，呈現一首歌曲從無到有的誕生。 線上學習資訊的易得超載，時而讓人不得要領，電子音樂在創作或商業專案上，皆有不同的應用方式與技巧邏輯。CPEM為期十天課程，結合基礎概念與實作，號召多達八位業界講師。由DJ Mykal a.k.a.林哲儀率先帶領你進入舞曲世界，黃少雍建構華語電音製作概念，再接力女孩與機器人、布蘭地傳授電子音樂唱作跟和聲心法，製作人徐平、方Q（宇宙人）分享電音編曲與配器應用方式，最後由Jungle、黃文萱指導混音後製實務。幫助你彙整講師音樂經驗與產業KNOW-HOW，釐清音樂製作脈絡，讓未來的音樂創作之路更加順遂！ ▍日期：2021年10月底至11月期間 ▍地點：Coop Studio、強力錄音室 ▍課程資訊＆報名方式：https://bit.ly/3AfQfUh ▍主辦單位：派樂黛唱片 ▍指導單位：文化部影視及流行音樂產業局 文字整理：Anita／樂手巢編輯部 資訊提供：派樂黛唱片 https://ysolife.com/2020-minetjus/

電子音樂正在世界創造新潮流，其變化多端的特性，是當今流行樂中最不可或缺的元素。由派樂黛唱片主辦的「CPEM國際電音製作解密」力邀電子音樂製作人Mr. Bill、混音師Kevin Paul與葛萊美級工程師Luca Pretolesi，毫不藏私地傳授多年經驗，提供國際最新電子音樂製作趨向，介紹音色設計、編曲、混音與母帶後製…等完善課程規劃，讓每個音樂工作者都能從不同角度切入，獲得意想不到的收穫。 講師簡介：Luca Pretolesi 在90年代以 Digital Boy 名號活躍於義大利音樂圈的 Luca Pretolesi，在2000年移居至美國拉斯維加斯後，開始逐漸將重心轉往幕後製作，並在 2012年創辦 Studio DMI，為 Steve Aoki , Diplo , Major Lazer , Jack Ü ,...

電子音樂正在世界創造新潮流，其變化多端的特性，是當今流行樂中最不可或缺的元素。由派樂黛唱片主辦的「CPEM國際電音製作解密」力邀電子音樂製作人Mr. Bill、混音師Kevin Paul與葛萊美級工程師Luca Pretolesi，毫不藏私地傳授多年經驗，提供國際最新電子音樂製作趨向，介紹音色設計、編曲、混音與母帶後製…等完善課程規劃，讓每個音樂工作者都能從不同角度切入，獲得意想不到的收穫。 講師簡介：Luca Pretolesi 在90年代以 Digital Boy 名號活躍於義大利音樂圈的 Luca Pretolesi，在2000年移居至美國拉斯維加斯後，開始逐漸將重心轉往幕後製作，並在 2012年創辦 Studio DMI，為 Steve Aoki、Diplo、Major Lazer、Jack Ü、Lil Jon、Gareth Emery、Snoop Lion、Skrillex、G-Dragon 等知名音樂人/製作人操刀混音跟 Mastering，曾三度入圍葛萊美獎。 Luca 在這次派樂黛唱片舉辦的「CPEM國際電音製作解密」系列講座中，用兩天的時間分享他在混音跟 Mastering上的手法跟經驗。 建立個人的混音系統 每年至少混音+...

電子音樂正在世界創造新潮流，其變化多端的特性，是當今流行樂中最不可或缺的元素。由派樂黛唱片主辦的「CPEM國際電音製作解密」力邀電子音樂製作人Mr. Bill、混音師Kevin Paul與葛萊美級工程師Luca Pretolesi，毫不藏私地傳授多年經驗，提供國際最新電子音樂製作趨向，介紹音色設計、編曲、混音與母帶後製…等完善課程規劃，讓每個音樂工作者都能從不同角度切入，獲得意想不到的收穫。 講師簡介：Kevin Paul Kevin Paul 曾在傳奇錄音室 Konk 與許多傳奇工程師跟製作人共事，後來加入傳奇廠牌 Mute Records 擔任首席聲音工程師，參與過 David Bowie、Nick Cave、Goldfrapp、Depeche Mode、Moby、The Kinks…等國際知名音樂人製作錄音混音，近年也持續參與 The XX, Adele, Ed Sheeran, Jack White,...

電子音樂正在世界創造新潮流，其變化多端的特性，是當今流行樂中最不可或缺的元素。由派樂黛唱片主辦的「CPEM國際電音製作解密」力邀電子音樂製作人Mr. Bill、混音師Kevin Paul與葛萊美級工程師Luca Pretolesi，毫不藏私地傳授多年經驗，提供國際最新電子音樂製作趨向，介紹音色設計、編曲、混音與母帶後製…等完善課程規劃，讓每個音樂工作者都能從不同角度切入，獲得意想不到的收穫。 講師簡介：Mr. Bill 來自澳洲的Mr.Bill 是知名電子音樂製作人，不只發行數百首個人作品，也與 Deadmau5 、Andrew Huang 等音樂人合作；除了音樂創作之外，同時也是 Ableton 教育認證講師，擅長將自己腦袋裡豐富的知識轉化成深入淺出的教學影片，幫助對音樂製作有興趣的人們，不被複雜龐大的製作技術困住，找到適合自己的創作方式。 創作方式：從 Sound Design 開始 第一步：Synthesis Mr.Bill 在講座中示範自己的創作流程，不同於許多人習慣從歌曲架構、和弦進行或是一些節奏 Pattern 開始創作，他喜歡先把焦點放在 Sound Design 上，先從花時間做出好幾組自己喜歡的音色開始。 Mr.Bill 建議大家可以試著學習 Synthesis...

現在已經是貝斯手上台時幾乎都會帶著複合前級的時代了，使用被動式 DI 作為與控台的連結，可以此控制樂器輸出的音量，以及可能因而產生的破音或雜訊；若對結果不滿意，那就用前級上的 DI 輸出就好了。使用被動式 DI 搭配等同於主動式輸出的前級，在目前演出場合上算是進可攻退可守，最具適應性的組合。 延伸閱讀：電貝斯手必備知識：Direct Box / DI 使用經驗談（上） 但在使用這些複合前級，或是類似產品的 DI 輸出時，使用者要特別注意輸出音量大小不均的問題。在個人經歷中，已遇過不知多少次在複合前級，或是其他具有 DI 輸出的效果器上，XLR 輸出與 1/4” 的一般輸出音量差異極大，差距也毫無規律的狀況。遇到這種情形，個人的解法一概是放棄使用 XLR，直接從 1/4” 輸出接上被動式 DI，再連接到下一階段。 ▲EBS MicroBass 3...